Oslo Philharmonic, Mäkelä & Frang

Klaus Mäkelä n’a pas encore fêté son trentième anniversaire et déjà, véritable phénomène, il est un chef d’orchestre d’envergure mondiale. Cette saison, il enchante Bozar à trois reprises, avec autant d’orchestres qui lui sont chers :  

• 27 Oct.’24 Oslo Philharmonic avec Vilde Frang 
• 3 Mar.’25 Orchestre de Paris  
• 8 Mai’25 Koninklijk Concertgebouworkest d’Amsterdam  

Le chef finlandais Klaus Mäkelä est à la tête de l'Orchestre Philharmonique d'Oslo depuis 2020 et a pris la direction musicale de l'Orchestre de Paris en 2021. En 2027, il assumera également les prestigieuses fonctions de chef d'orchestre du Koninklijk Concertgebouworkest d'Amsterdam et de directeur musical du Chicago Symphony Orchestra. Artiste exclusif chez Decca Classics, il a enregistré avec l'Orchestre de Paris des œuvres de Stravinski et Debussy, tandis qu'avec le Philharmonique d'Oslo, il a signé une intégrale des symphonies de Sibelius ainsi que le Premier Concerto pour violon de Sibelius et celui de Prokofiev, aux côtés de Janine Jansen. En 2024, son attention sera portée sur Chostakovitch avec l'enregistrement des Symphonies n° 4, n° 5 et n° 6. En tant que chef invité, la saison 2024-2025 le verra diriger des ensembles prestigieux tels que le London Symphony Orchestra, le Cleveland Orchestra et l'Orchestre Philharmonique de Berlin. Il fera également ses débuts à la tête de l'Orchestre Philharmonique de Vienne, tout en recevant une attention particulière à la Philharmonie d'Essen et à Bozar. 

Vous voulez en savoir plus sur Klaus Mäkelä ? Découvrez ici cinq choses que vous ne savez pas encore sur le chef d'orchestre finlandais très médiatisé. 

Georges Enescu (1881-1955) 
Rhapsodie roumaine, op. 11/1 (1901) 

Igor Stravinsky (1882-1971) 
Concerto pour violon et orchestre (1931) 

• Toccata 
• Aria I 
• Aria II 
• Finale: Capriccio 

Entracte

Pjotr Tsjaikovski (1840-1893) 
Symphonie n° 4, op. 36 (1877-1878) 

• Andante sostenuto – Moderato con anima 
• Andantino in modo di canzona 
• Scherzo; Allegro 
• Finale: Allegro con fuoco 

Durée: ± 90 min 

Entre patriotisme et malaise de jeunesse 

Malgré sa formation à Vienne et ses activités à Paris, George Enescu resta toute sa vie un ambassadeur de l'école roumaine. Son premier opus, Poème roumain, donna le ton de sa carrière : de nombreuses œuvres sont imprégnées de musique folklorique roumaine et lui valurent un succès international, tout en consolidant sa réputation de compositeur. Il se lassa vite des possibilités limitées de mise en musique des chants et danses roumains : comme il le nota en 1924, tout ce qu'un compositeur pouvait faire avec la musique folklorique existante était de « rhapsodiser, avec des répétitions et des juxtapositions ». Enescu, âgé de 19 ans, pensait manifestement le contraire en 1901. La Première Rhapsodie roumaine s'inscrit parfaitement dans la lignée des Danses hongroises de Brahms ou des Danses slaves de Dvořak, deux compositeurs qu'Enescu admirait. Traditionaliste, il n’aimait pas les développements intellectuels de Wagner, Liszt et Berlioz. Enescu entra dans le XXe siècle avec un romantisme pur et une mélodie au premier plan, comme en témoignent les bois s’échangeant la mélodie d'ouverture. La rhapsodie évolue de charmante à vive et de folklorique à fanfaresque, en évitant le drame et la noirceur. Une excellente ouverture orchestrale qui tiendra tout auditeur en haleine. Surtout grâce l'enthousiasme de Klaus Mäkelä. (Guillaume De Grieve) 

À la recherche du temps perdu 

Compositeur célèbre d’origine russe, Igor Stravinski est connu dès le début du siècle comme l’un des créateurs les plus novateurs du langage musical, il adhère à l’esthétique du néo-classicisme pendant sa période française (1920-1939) au cours de laquelle il compose son Concerto pour violon. C’est en 1931 que l’éditeur de musique Willy Strecker demande à Stravinski d’écrire un concerto pour le violoniste Samuel Dushkin. Le compositeur n’a pas été d’emblée enthousiasmé par cette idée étant donné qu’il ne connaissait par l’artiste et qu’il se méfiait des virtuoses. Mais il a fini par accepter et s’est alors mis à étudier tous les grands concertos classiques pour violon. Très intéressé à cette époque par la musique du XVIIIe siècle, Stravinski a sans doute pris pour modèle, pour écrire son Concerto pour violon, les Concertos brandebourgeois de Johann Sebastian Bach dans lesquels le soliste n’apparaît pas en solitaire face à un groupe, mais est toujours accompagné des autres pour converser. Ce concerto n’est donc pas écrit selon la tradition du concerto romantique mais comme une œuvre constituée de duos, trios, et autres ensembles plus importants. L’œuvre se compose de quatre mouvements : deux mouvements brillants, une Toccata et un Capriccio, entourent deux arias. Le jeu du violon se présente différemment dans chacune des quatre parties de l’œuvre : il apparaît d’abord comme le fil conducteur dynamique dans le premier mouvement, puis devient beaucoup plus expressif dans le premier aria au cours duquel un dialogue s’installe entre le soliste et l’orchestre suivi d’une véritable controverse. Dans l’aria suivant, le chant du violon prend un caractère très émotif pour nous mener vers un climat fait parfois de mélancolie, d’intimité ou de déchirure. Le Capriccio demande un déploiement permanent de virtuosité afin de permettre à la joie d’allure populaire qui retentit dans ce mouvement d’être vigoureusement rendue. (Texte d’archive d’Olivia Wahnon de Oliveira) 

Sous l'épée de Damoclès 

Quand on examine les critiques émises par l’intelligentsia russe à l’égard des symphonies de Piotr Tchaïkovski, on s’interroge du pourquoi de la chose. La Quatrième ne devait pas échapper aux critiques cinglantes qui clamaient haut et fort qu’elle respirait le ballet, avec ses mélodies agréables agencées au hasard des mouvements, “comme des fleurs jetées dans un vase”. La réalité est toute autre. Lorsque Tchaïkovski commence sa symphonie en 1877, la fatalité semble le poursuivre. Ses multiples problèmes familiaux, dont une relation désespérante avec son épouse, une admiratrice hystérique, le pressent jusqu’au suicide manqué. Cette expression exacerbée des sentiments trouvera son exégèse parle biais de la symphonie. Conçue comme un immense poème symphonique, le premier mouvement s’imagine comme une musique à programme. Tchaïkovski lui-même n’hésite pas à franchir le pas lorsqu'il écrit à sa protectrice Nadejda von Meck: “Le motif du Fatum initial servira de germe à la symphonie entière. Il me rappelle cette ‘épée de Damoclès’ qui pend perpétuellement au-dessus de nos têtes et rend amère mon âme. Le thème principal pourrait suggérer la dépression, la vie sans espoir, alors que le second sujet décrirait une échappée de la réalité. Ces deux thèmes combattront violemment dans le développement, qui finira par devenir un champ de bataille où s’affrontent le rêve consolant et la réalité mordante.” Dans le même ordre d’idée, le compositeur poursuit: “l’andantino exprime la mélancolie qui nous envahit le soir, lorsque nous nous asseyons dans la solitude. Le scherzo consiste en de capricieuses arabesques, allusions fugitives de l’esprit lorsque nous avons bu un peu de vin et en ressentons les premiers effets.” En ce qui concerne le final, le meilleur conseil ne serait-il pas d’écouter les inflexions tragiques de son opéra Eugène Onéguine composé à cette même période? Des clés s’y trouvent certainement... (Texte d’archive de Claude Ledoux) 

Konzertmeister 
Elise Båtnes  
Sarah Christian  

premier violon 
Pauls Ezergailis 
André Orvik 
Eileen Siegel 
Jørn Halbakken 
Øyvind Fossheim 
Alyson Read 
Arve Bergset 
Bogumila Dowlasz 
Daniel Dalnoki 
Guro Asheim 
Patrycja Blaszak-Bienkunska 
Amanda Horn 
Katrine Yttrehus 
Johannes Schantz 

second violon 
Maria Angelika Carlsen 
Kolbjørn Holthe 
Vegard Johnsen 
Svein Skretting 
Dagny Bakken 
Niels Aschough 
Marit Egenes 
Ragnar Heyerdahl 
Hans Morten Stensland 
Baard Winther Andersen 
Kristin Skjølaas
Aslak Juva 
Aleksandre Khatiskatsi 
Emil Huckle-Kleve 

alto 
Catherine Bullock-Bukkøy 
Anders Rensvik 
Dorthe Dreier 
Heidi Heistø Carlsen 
Stig-Ove Ose 
Cecilia Wilder 
Benedicte Royer 
Pål Solbakk 
Andrés Maurette O'Brien
Nanna Ikutomi Sørli 
Arvid Resare 
Elisabeth Lund Tomter 

violoncelle 
Louisa Tuck 
Joris Van Den Berg 
Katharina Hager-Saltnes 
Bjørn Solum 
Hans Josef Groh 
Cecilia Götestam 
Kari Ravnan 
Toril Syrrist-Gelgota 
Kristine Lisedatter Martens 
Inga Byrkjeland 

contrebasse 
Kenneth Ryland 
Glenn Lewis Gordon 
Kjetil Sandum 
Frode Berg 
Steinar Børmer 
Danijel Petrovic 
Nicholas Chalk 
Erlend Skei 

flûte 
Ting-Wei Chen 
Tom Ottar Andreassen 
Trond Magne Brekka 
Nicole Henter 

piccolo 
Trond Magne Brekka 
Nicole Henter 

hautbois 
David Strunck 
Joao Miguel Silva 
Min Hua Chiu 
Sigurd Greve 

cor anglais 
Leif Arne Pedersen 
Fredrik Fors 
Pierre Xhonneux 
Ingvill Hafskjold 

clarinette en es 
Pierre Xhonneux 

clarinette basse 
Ingvill Hafskjold 

basson 
Ole Kristian Dahl 
Embrik Snerte 
Frode Carlsen 
Linn Cecilie Ringstad 

contrebasson 
Frode Carlen  
Linn Cecilie Ringstad 

cor 
Inger Besserudhagen 
Asbjørn Ibsen Bruun 
James Patterson 
Jan Olav Martinsen 
Kjell Adel Lundstrøm 

trompette 
Brynjar Kolbergsrud 
Christopher Hart 
Jonas Haltia 
Axel Sjöstedt 

trombone  
Audun Breen 
Terje Midtgård 
Runa Eid Hermansen 

trombone basse 
Martha Eikemo Andersen 

tuba 
Frode Amundsen 

timbales 
Christopher Lane 

percussion 
Christian Berg 
Heming Valebjørg 
Geir Syrrist 

harpe 
Birgitte Volan Håvik 
Lara Macri 

Bozar Maecenas

Prince et Princesse de Chimay · Monsieur et Madame Betrand Ferrier · Barones Michèle Galle-Sioen · Monsieur et Madame Laurent Legein · Madame Heike Müller · Monsieur et Madame Dominique Peninon · Monsieur et Madame Antoine Winckler · Chevalier Godefroid de Wouters d’Oplinter

Bozar Honorary Patrons

Comte Etienne Davignon · Madame Léo Goldschmidt

Bozar Patrons

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Bozar Circle

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