Belgian National Orchestra, Feddeck & Kobekina

Edward Elgar (1857-1934)

Concerto pour violoncelle et orchestre en mi mineur, op. 85 (1919)

• Adagio; Moderato
• Lento; Allegro molto
• Adagio
• Allegro; Moderato; Allegro, ma non troppo

pause

Jean Sibelius (1865-1957)

Symphonie n° 5 en mi-bémol majeur, op. 82 (1919)

• Tempo molto moderato; Allegro moderato – Presto
• Andante mosso, quasi allegretto
• Allegro molto; Misterioso

fin prévue à 21h35

Le Concerto pour violoncelle en mi mineur est la dernière œuvre majeure du compositeur britannique Edward Elgar. Celui-ci écrivit ce concerto en quatre mouvements en 1919, juste après la Première Guerre mondiale. L’atmosphère élégiaque et contemplative qui s’en dégage évoque les angoisses, le désespoir et les désillusions des années de guerre. Le thème principal sinueux du premier mouvement a été composé par Elgar au réveil de son anesthésie pour une ablation des amygdales. Il considérait ce thème comme quelque chose d’extrêmement personnel : « Si vous entendez un jour quelqu’un siffler ce thème dans les collines de Malvern, ce sera moi ».

En 1915, Jean Sibelius était déjà un compositeur bien établi. Le jour de son 50e anniversaire fut même proclamé jour férié en Finlande. À cette époque, Sibelius était pourtant en proie au doute : face aux créations modernistes récentes de Stravinsky, aux impressionnistes français et à Schoenberg, devait-il radicalement modifier son style ? Ou son esthétique musicale d’inspiration nationaliste, dans la droite ligne du romantisme tardif, avait-elle encore un avenir ? Au fil de la composition de sa Cinquième symphonie, il décide de rester fidèle à lui-même. La troisième version de cette symphonie, publiée en 1919, est une œuvre en trois mouvements. Des harmonies uniques et des couleurs orchestrales phénoménales caractérisent le premier mouvement qui se déploie de manière organique et qui, après quelques passages sombres, s’achève de manière triomphale sur un finale en forme de scherzo. Le deuxième mouvement est chaleureux et charmant, avec une série de variations sur un thème introduit par la flûte. Le troisième et dernier mouvement lui a été inspiré par le vol gracieux de 16 cygnes au- dessus d’un lac près de chez lui. Le finale est lui aussi resté célèbre : il se compose de six accords que le chef d’orchestre James Feddeck fera éclater un à un de manière particulièrement théâtrale.

Le Concerto pour violoncelle en mi mineur, op. 85, est la dernière grande œuvre d’Elgar et fut créé à Londres en 1919. Cet ouvrage, comme la plupart des œuvres tardives du compositeur anglais, est teinté de pessimisme et de désillusion : profondément marqué par la Première Guerre mondiale, Elgar passa les quinze dernières années de sa vie (jusqu’en 1934) dans un silence à peu près total, en partie parce que l’Angleterre d’après la catastrophe n’était plus celle de Victoria et d’Edouard VII. 

L’expression est ici condensée au point que les mouvements, au nombre de quatre, représentent une durée totale d’environ 30 minutes, bien plus courte que celle du Concerto pour violon. De même, l’orchestration est plus légère que dans ce dernier. L’œuvre débute par un bref récitatif de violoncelle, Adagio. Le premier mouvement proprement dit, Moderato, s’ouvre avec un thème mélancolique et nonchalant exposé par les altos et repris par le soliste. Ce mouvement, de forme A-B-A, fait entendre comme volet central un thème énoncé par la clarinette, avant de se déployer en majeur. Un court solo de violoncelle, sur des effets de pizzicati imitant la guitare, conduit au deuxième mouvement, un Allegro molto de forme sonate libre, au rythme de mouvement perpétuel. L’orchestration se fait pointilliste, légère et savoureuse. Suit alors un court Adagio, ample mélodie se déroulant d’une traite à laquelle le finale s’enchaîne directement ; l’ introduction de celui-ci, sorte de récitatif en si bémol mineur, rappelle le début de l’ouvrage et débouche sur le plus vaste des quatre mouvements, un Allegro ma non troppo en forme de rondo libre retrouvant la tonalité de départ. La seconde idée du finale laisse transparaître une pointe d’humour et Donald Tovey, musicologue anglais, y voyait « une notabilité à la merci d’une peau de banane ». Peu avant la fin, un bref épisode lent sonne comme une réminiscence de l’Adagio. Après cela, la partition se conclut abruptement, avec un certain tragique. 

Moins rayonnant que les autres grandes œuvres d’Elgar, plus proche d’une certaine noirceur que l’on retrouve dans ses dernières compositions, le Concerto pour violoncelle n’en est pas moins exemplaire de cette maîtrise de la couleur orchestrale, de la structure et, surtout, de l’invention mélodique constante et naturelle d’Elgar. À ce titre, une réelle réussite. 

Benoît Jacquemin (archives Bozar) 

Sibelius : des harmonies uniques et d'incroyables couleurs orchestrales

La Symphonie n° 5 (1919) de Jean Sibelius (1865-1957) exprime avec une rare puissance toute la force de la nature. La partition convoque les paysages grandioses de la Finlande – et même les cygnes qui s’ébrouent – et leur donne vie. « C’est comme si Dieu le Père avait jeté ici-bas des pièces de mosaïque du plancher du ciel et m’avait demandé de les rassembler comme elles étaient », a écrit le compositeur dans son journal.

En 1809, le tsar Alexandre Ier de Russie déclarait : « La Finlande est désormais une nation parmi les nations ». Il avait conquis ce territoire aux dépens de la Suède et l’avait ensuite érigé en grand-duché doté d’un gouvernement autonome, d’un système juridique distinct, d’une administration d’État indépendante et de sa propre monnaie. La Finlande n’était pourtant pas une « nation libre » et son gouvernement devait rendre des comptes à l’administration russe. Plusieurs siècles d’occupation suédoise avaient en outre profondément imprégné la culture finlandaise, qui dut par ailleurs résister à une vague de russification au début du XXe siècle. En résumé, la Finlande était une province russe sous domination culturelle suédoise. La défaite de la Russie pendant la Première Guerre mondiale déboucha sur la Révolution de février, qui amena la Finlande à autoproclamer son indépendance le 6 décembre 1917. Celle-ci fut reconnue par la Russie le 4 janvier 1918. C’est dans ce contexte historique que Jean Sibelius s’est hissé au rang de poeta laureatus du Grand Nord.  

La symphonie : rigueur de style vs portée globale
En 1907, le compositeur autrichien Gustav Mahler se rend en Finlande, l’occasion d’une petite visite de courtoisie chez Sibelius lors de laquelle les deux compositeurs réfléchissent à la nature du genre symphonique. Pour Mahler, une symphonie doit être à l’image du monde ; elle doit tout inclure. Sibelius lui oppose une vision radicalement différente : la symphonie doit reposer sur un cadre respectant le style et la rigueur de la forme et sur une logique plus profonde qui relie subtilement tous les motifs entre eux. Une vision qui a prudemment révélé sa modernité radicale au cours des dernières décennies. Sibelius a composé sept symphonies, des pièces non programmatiques dotées d’une signature unique. Outre leur structure rhapsodique et leur grandeur quasi épique, elles se distinguent par une fragmentation « en mosaïque » – une succession, en apparence aléatoire, de motifs et de thèmes, sans ponts pour les relier. Le ton narratif des mélodies qui s’enroulent autour d’une seule note, une rythmique étrangement chaotique et les soudains changements d’humeur attirent également l’attention. Avec un peu d’imagination, on peut y voir des caractéristiques issues de la musique populaire finlandaise. Pour citer Sibelius, « Mes symphonies sont faites d’une musique purement inventée, sans logique nationale. Je ne suis pas un musicien littéraire. Pour ce qui me concerne, la musique commence là où les mots s’arrêtent. ». Une musique superbement « inventée » au départ des éléments du langage symphonique de Bruckner, de Strauss et de Mahler qui avaient le plus séduit le maestro.

Entre mysticisme et cri
En 1915, Jean Sibelius était déjà un compositeur bien établi. Le jour de son 50e anniversaire fut même proclamé jour férié en Finlande. À cette époque, Sibelius était pourtant en proie au doute : face aux créations modernistes récentes de Stravinsky, aux impressionnistes français et à Schönberg, devait-il radicalement modifier son style ? Ou son esthétique musicale dans la droite ligne du romantisme tardif, avait-elle encore un avenir ? Avait-il encore quelque chose à dire et à apporter à l’heure où, à Vienne, Schönberg expérimentait une technique de composition musicale accordant une importance égale aux douze sons (degrés) de l’échelle chromatique ? Et où la rythmique extraordinairement puissante du Sacre du printemps de Stravinsky bouleversait le Paris musical ? Au fil de la composition de sa Symphonie n° 5, il décide de rester fidèle à lui-même. Sibelius la retravaillera en profondeur après sa création, le 8 décembre 1915, à Helsinki. La troisième et dernière version de cette symphonie, publiée en 1919, est une œuvre en trois mouvements. Chacun d’eux s’ouvre sur un motif de cor posant un accord qui constitue la base du matériau mélodique. Des harmonies uniques et des couleurs orchestrales phénoménales caractérisent le premier mouvement qui se déploie de manière organique et qui, après quelques passages sombres, s’achève de manière triomphale sur un finale en forme de scherzo. Le deuxième mouvement est chaleureux et charmant, avec une série de variations sur un thème introduit par la flûte. Le troisième et dernier mouvement fait entendre une synthèse du matériau exposé précédemment, magistralement soutenue par l’orchestre. Les cordes jusqu’ici étouffées doivent à présent jouer des passages forte et fortissimo, faisant entendre un timbre particulier. Ce mouvement lui a été inspiré, entre autres, par le vol gracieux de 16 cygnes au-dessus d’un lac près de chez lui. « Oh mon Dieu, quelle beauté », écrit-il. « Le mysticisme de la nature et le chagrin de la vie ! Rien au monde, ni dans l’art, ni dans la littérature, ni même dans la musique, n’a eu tant d’effet sur moi ». Une expérience bouleversante, qu’il a intégrée dans la mélodie de cor suspendue, qui enfle progressivement. Même puissance évocatrice pour le finale, composé de six accords finaux interrompus par des pauses irrégulières, que le chef d’orchestre fait éclater un à un de manière théâtrale. Serait-ce six cris monolithiques ?

Au-delà du nationalisme finlandais
Sibelius n’appréciait pas que sa musique soit exclusivement assimilée à l’expression du nationalisme finlandais. Plusieurs de ses œuvres de jeunesse – Kullervo, Finlandia, En Saga, Suite Lemminkäinen, La Fille de Pohjola – puisent bien sûr largement dans le Kalevala, la grande épopée finlandaise. Sibelius reprendra le style musical unique qui caractérise ses œuvres de jeunesse et le retravaillera dans des œuvres non programmatiques ultérieures, par exemple dans ses symphonies. D’où l’impression que toutes ses compositions étaient typiquement finlandaises. Rien n’est moins vrai ! Il ne faut pas y voir l’âme d’un romantique égaré, mais bien un compositeur qui est parvenu à élaborer un style unique n’ayant pas besoin de citations musicales populaires. Sans jamais faire de compromis, Sibelius a mis au point un langage musical personnel qui est devenu la caisse de résonance de la future musique finlandaise. Cet épanouissement créatif permet à Sibelius de revendiquer une place importante dans l’histoire de la musique du début du modernisme.  

par Johan Van Acker

Konzertmeister
Misako Akama

premier violon
Sophie Causanschi ***
Maria Elena Boila
Françoise Gilliquet
Akika Hayakawa
Iganacio Rodriguez
Arianne Plumerel
Serge Stons
Dirk Vandemoortel
Noaka Ogura
Ricardo Vierra
Anne Leonardo
Guillaume Dubuy
Ting-Wei Wu

seconde violon
Samuel Memtanu
Marie Danielle Turner *
Tatiana Vavalina
Hartwig D’Haene
Sophie Demoulin
Isabelle Deschamps
Pierre Hanquin
Anouk Lapaire
Jacqueline Preys
Ana Spanu
Anija Colerta
Louis Coral

alto
Marc Sabbah *
Dmitry Ryabinin *
Mihoko Kusama *
Katelijne Onsia
Marinela Serban
Silvia Tentori
Edouard Thise
José Ramos
Anna Sophia Sousa
Gyeongia Shin

violoncelle
Paul Heyman
Tine Muyle *
Lesya Demkovych
Uros Nastic
Harm Van Rheeden
Taras Zanchak
Pierre Sutra
Duarte Matos

contrebasse
John Van Lierop
Svetoslav Dimitriev *
Dan Ishimoto
Miguel Meulders
Gergana Terziyska
Matthieu Garnavault

flûte
Baudoin Giaux ***
Jeremie Fevre *

hautbois
 Arnaud Guittet **
Tim Van Thuynen

clarinette
Julien Benteau ***
Alvaro Ferrer

basson
Gordon Fantini ***
Alexander Kuksa

cor
Bart Cypers **
Bernard Wasnaire *
Jan Van Duffel *
Jonathan Vanderbeek

trompette
Andreu Vidal **
Jeroen Bavin
Robby Boone

trombone
Guido Liveyns ***
Bruno Debusschere**
Daniel Fouteler
Geert De Vos

tuba
Martijn Van Rijswijk ***

timbales
Nico Schoeters ***

*** chef de pupitre
** 1° soliste
* soliste

JEU 07.03 | 20:00
The Phantom of the Opera avec Frank Strobel

VEN 15.03 | 20:00
Vivier, Henderickx & Stravinsky

VEN 29.03 | 20:00
Khachatryan plays Bruch

DIM 14.04 | 15:00
Mahler 6 & Goerner plays Mozart